Hollywood queer (8 page)

Frances Margaret Anderson-Anderson

10 de febrero de 1898 Adelaida, Australia — 3 de enero de 1992, Santa Bárbara (EE.UU.)

Según Boze Hadleigh en "Hollywood Lesbians" (1994) ella fue una lesbiana discreta que nunca publicitó que lo fuera. Una vez describió sus dos matrimonios —en ninguno tuvo hijos— como «feos y despreciables» y «muy cortos pero excesivamente largos». De 1937 a 1939 con Harrison Lehmann y de 1946 a 1951 con Luther Greene. Y eso que una vez había declarado que «no hay nada más duradero en la vida de una mujer salvo lo que construye dentro del corazón de un hombre». En Australia hizo teatro y en 1918 se trasladó a Nueva York. De los años treinta a los cincuenta se convierte en Broadway en una de las mayores actrices del repertorio clásico. Completa su poco convencional atractivo con una poderosa presencia. Sus papeles más memorables fueron
Lady Macbeth
(Anderson fue la única en ganar dos premios Emmy interpretando el mismo papel, en 1954 y 1960) y
Medea
(el director de orquesta Arturo Toscanini casi se cae del asiento de tanto aplaudirla). Hasta llegó a encarnar a Hamlet en los años setenta. Su debut en Hollywood fue con un papel secundario en
Blood Money
(Rowland Brown, 1933), donde encarnaba a la esposa
glamourosa
y sofisticada de un gángster, caracterización poco habitual en su filmografía. Su personaje más memorable es de el de la Sra. Danvers, el ama de llaves en
Rebeca
(Alfred Hitchcock, 1940), papel con el que inició una larga sucesión de mujeres poco simpáticas que se desenvuelven al borde del crimen y de la locura, como en
Lady Scarface
(Frank Woodruff, 1941), donde hace de jefa de una banda criminal que se comporta como un hombre,
Laura
(Otto Preminger, 1944) o
La gata sobre el tejado de zinc
(Richard Bro-oks, 1958). En los años ochenta tuvo un gran éxito con la teleserie "Santa Bárbara". En 1960 fue nombrada Dama del Imperio Británico.

Ya desde el inicio de
Rebeca
se señala Manderlay (
man
significa hombre) como un espacio de dominación masculina controlado por dos poderes femeninos: la Sra. Danvers y Rebecca, la primera esposa de Max (Laurence Olivier). Una muerta cuya presencia sigue muy viva. Una mujer a la que ningún hombre logró someter sexualmente, capaz de dominarlos y de humillarlos. Cuando su cadáver surja del mar literalmente retornará lo reprimido del sujeto femenino que no pudo ser acomodado dentro del control heterosexual. Max, la figura patriarcal, intenta reemplazar a Rebecca por una nueva Sra. de Win-ter (Joan Fontaine), alguien a quien pueda someter dentro del orden simbólico masculino. La nueva Sra. de Winter no tendrá nombre y en todo será opuesta a la anterior. Esta sustitución de una mujer por otra repite la estructura edípica en la que un hombre busca una mujer para que sea el sustituto simbólico de su madre real.

Pero a través de la Sra. Danvers pervive el rebelde deseo femenino de Rebecca, e intentará transmitírselo a la nueva Sra. de Winter. De hecho, Danvers la engaña para que copie la apariencia de un cuadro de la difunta. Como si se tratara de la inversión del tradicional deseo masculino que pide a una mujer que sea la representación ideal de otra. Tal como sucede en
De entre los muertos
(Hitchcock, 1958), donde James Stewart quiere construir a su mujer ideal. En
Rebeca
la circulación del deseo se articula en una estructura lesbiana homosocial, algo ya claro desde el final del primer acto, cuando Max le pregunta a la futura Sra. de Winter si prefiere casarse con él o irse como empleada de la Sra. Van Hopper (Florence Bates). Es decir, que opte entre una relación con un hombre o una mujer. La Sra. Danvers ama e idealiza a la desaparecida Rebecca. Danvers tenía un papel relevante en su dormitorio. «Yo siempre la esperaba. Se desvestía. Veinte minutos le cepillaba el pelo», después la llevaba a la cama en le que su ama se ponía un camisón que guardaba en una funda que Danvers la había confeccionado. Le pregunta a la nueva Sra. de Winter, «¿Has visto algo más fino?... Mi mano se transparenta». Danvers quiere repetir con ella la misma relación y le peina mientras ambas se reflejan en el espejo. Una relación narcisis-ta teñida de erotismo lesbiano. La nueva Sra. de Winter huirá aterrorizada ante tal insinuación. Su amor por Max le ha integrado exitosamente dentro del dominio heterosexual. Como el deseo lesbiano no puede ser aceptado, al final veremos quemarse tanto a la "R" de Rebecca como a la propia Danvers. Como dice Robert Samuels, Manderlay es literalmente destruido por un ardiente deseo lesbiano que intentó escapar de la representación masculina de la feminidad sometido a la estructura edípica. La cinta supone la plasma-ción de la paranoia del varón heterosexual ante el deseo lesbiano.

Se basaba en una novela de la lesbiana Daphne du Maurier. La actriz Gertrude Lawrence (casada en 1940 con Richard Aldrich) había sido el amor de su vida.

Lindsay Gordon Anderson

17 de abril de 1923 en Bangalore, India — 30 de agosto 1994 en Angouléme (Francia)

Mientras estudiaba en Oxford anotó en su diario «parece que soy homosexual. Oh, Dios. Realmente es algo horrible y creo que nunca podré superarlo». Tanto su vida personal como profesional se vio afectada por la represión y la sublimación de su identidad sexual. Hoy se le catalogaría como un "homosexual célibe". Quedó frustrado y torturado por la ansiedad y la culpabilidad de su inasumida condición, luchando tormentosamente contra ella. Algunos señalan que consciente de las dolorosas limitaciones de su vida sentía simpatía por los alienados y los marginados, además de transformarle en un crítico de los excesos de la masculinidad. Para él trabajar en cine significaba examinar el sistema en que se produce, «el motivo que lo sostiene y los intereses a los que sirve». Con 48 años había escrito en su diario, «Nadie se da cuenta de la soledad en la que estoy metido y la incongruencia que siento dentro de mí». Según su amigo desde la infancia, Gavin Lambert, en
Mainly About Lindsay Anderson
(2000), éste tendía a enamorarse de sus protagonistas masculinos, todos ellos heterosexuales y casados y, por tanto,
a priori,
inalcanzables. Como recordó Malcolm McDowell sobre su mentor, «Yo sabía que estaba enamorado de Richard Harris. Estoy seguro de que pasó lo mismo conmigo y Albert (Finney) y el resto. No era una cuestión física». La represión sexual de Anderson le llevaba a fetichizar el cuerpo masculino en su filmografía, donde a menudo se presentaban los elementos homoeróticos de manera violenta o inquietante. Como en su primera película,
El ingenuo salvaje
(1963), protagonizada por Harris y con escenas de desnudos en las duchas. Trataba de la brutalidad de unos deportistas cuyo comportamiento afectaba a sus relaciones con las mujeres.

Anderson sobre todo es director de teatro más que de cine. Aun así, es una de las figuras fundacionales del
Free Cinema
junto con Tony Richardson, John Schlesinger o Lam-bert, lo que ahora se conoce como la edad de oro del cine británico. Un movimiento durante los años cincuenta conocido como los
angry young man,
rebeldes contra los valores del sistema social establecido. Buscaban obras realistas enfocadas en gente corriente, especialmente si eran jóvenes o de clase trabajadora. Su padre fue capitán del ejército británico destinado en la India y su madre provenía de una familia poderosa de Sudáfrica implicada en negocios de whisky y madereros. Entre 1949 y 1951 fue coeditor de "Sequen-ce" con Lambert, revista en la que se defendía la tesis de un cine comprometido y se abucheaba al
establishment.
Durante el último año conoce a John Ford. Los análisis que Anderson hace de su filmografía serán de los primeros en restablecer la reputación crítica de Ford. Desde 1957 dirige la Royal Court Theatre. En 1956 publica el artículo "Stand up, Stand up" en el que ataca el cine conformista y aboga por un cine libre (
Free Cinema
), personal y crítico.
If
(1968) se inspira en
Zéro de conduite
(Jean Vigo, 1933) y se la considera su obra más aclamada y polémica. Supone el debut de McDowell y trata del fascismo que se inculca en las escuelas privadas de las clases privilegiadas. La rodó en Cheltenham, donde él había estudiado. También es notable por la franca representación de las relaciones homosexuales entre los escolares. Con
If
inicia la trilogía formada por
Un hombre de suerte
(1973) y
Britannia Hospital
(1982). En 1969 comienza en el teatro una relación profesional con el dramaturgo David Storey, que Lambert considerará como «un matrimonio perfecto». Durante la siguiente década ayuda al
revival
del dramaturgo gay Joe Orton. En 1986 dirige
Wham! In China: Foreign Skies,
un documental sobre la gira del grupo de George Michael, el primero de Occidente en actuar en la China comunista. Anderson no tenía muy buena opinión del cantautor pop que tuvo que confirmar los rumores de su homosexualidad tras ser arrestado en 1998 por "comportamiento lascivo". Cuando le preguntaron a Anderson que qué quería que pusiera en su lápida respondió «Rodeado de jodidos idiotas». Anderson fue una persona generosa que apoyó y ayudó a sus amigos emocional y financieramente, incluso metiéndolos en su casa durante varios años.

Kenneth Wilbur Anglemyer

3 de febrero de 1927 en Santa Mónica (EE.UU.)

Nombre clave del
underground
fue uno de los primeros directores abiertamente gay y el primero en exponer de manera directa la homosexualidad, situándola en un mundo violento y con referencias al masoquismo. Su trabajo es muy importante para la visibilidad gay, pues en él el deseo homosexual se muestra como un poder que desafía y rompe la visión convencional del mundo. La mayoría de su obra dura entre 3 minutos y 3/4 de hora y sólo nueve de ellas están completas. Suele definírselas como poéticas y de gran fuerza visual. Repletas de fetichismo y de
camp.
Relacionadas con el vandalismo y el fuego. Con montajes densos y complejos muy influidos por las teorías de S.M. Eisenstein. A menudo incorporan la iconografía del erotismo gay (marineros, motociclistas, modelos atléticos, etc.) a la vez que simbolizan el deseo y el placer sexual homosexual con actos y orgasmos intensos. Anger solía ocuparse de la dirección, el guión, la fotografía, el montaje y el diseño artístico. Su abuela fue la gran influencia de su vida. Le imbuyó en el mundo esotérico y le contó la trastienda de la época dorada de Hollywood. Actor desde niño —es el principito de
El sueño de una noche de verano
(William Dieterle y Max Reinhardt, 1935)-, con nueve años comienza a filmar cortometrajes en 16 mm. Algunos de los negativos de esa época de aprendizaje fueron destruidos por los laboratorios de revelado a los que los llevó al considerarlos obscenos. Y otros tantos fueron pirateados para exhibirse en
nightclubs
debido a su contenido erótico. Mientras estudia cine en la Universidad Southern de California rueda la controvertida
Fireworks
(1947) que, junto con
Scorpio Rising
(1962/63), le dan notoriedad y cimientan su reputación. Como en 1949 el laboratorio Eastmant-Kodak destruye su cinta
The Love that Whirls
a causa de los desnudos, Anger decide trasladarse a París. En Francia dirige el ballet de Roland Petit "Le jeune homme et la mort" (1951), basado en una obra de Jean Cocteau, y rueda
Eaux d'artífice
(1953), en la que subordina el contenido gay —el agua como fluido masculino, semen— a una elegante abstracción visual. Según Jean-Luc Godard, también durante esa época monta una versión de la inconclusa
¡Qué viva México!
(Eisenstein, 1930/31) aunque no se conocen copias del proyecto ni se cree que existan.
Scorpio Rising
marca su regreso a EE.UU., estableciéndose en Nueva York. Desde finales de los años sesenta sus películas expresan una menor tendencia gay. Fascinado por el ocultista ambisexual Aleister Crowley, Anger comienza a impulsar proyectos rituales erótico-mitológicos, como
Inauguration of the Pleasure Dome
(1954/66), la fantasía erótica de un anfitrión polisexual en la que en algunas versiones se ven unos testículos que crean un ritmo visual con unas uvas. La novelista bisexual Anäis Nin encarna a la belleza clásica griega. Anger inicia en el satanismo a los Rolling Stones y Mick Jagger le hace la banda sonora de
Invocation of my Demon Brother
(1969). También planeó otras colaboraciones con otros iconoclastas que no llegaron a cuajar, como con el líder del grupo musical Led Zeppelin, Jimmy Page. Éste había adquirido la mansión de Crowley junto al Lago Ness, pero le impidió a Anger que rodara en el sótano. Indignado, parece que Anger le lanzó una maldición y al poco el grupo se disolvió y el hijo de uno de los componentes y otro de los miembros fallecieron. Desde
Lucifer Rising
(1970/81) Anger pasa su tiempo refinando, promocionando y salvaguardando su filmografía, a la vez que las añade nuevas bandas sonoras. En los años ochenta cobró celebridad su libro sensacionalista "Hollywood Babylon" (1958), crónica de la hipocresía y de los escándalos de la industria, relato en forma de tabloide de aquellos que fueron dejados en la cuneta. Una aproximación
camp
a la fábrica de sueños. Anger consideraba que la proyección de sus mediometrajes era una ceremonia capaz de invocar las fuerzas espirituales. Mediante ellas quería inducir a los espectadores a un estado alterado de la consciencia. Según él, el cine es una fuerza demoníaca pues controla lo que filma y a quien lo ve. Y Lucifer es el patrón de las artes visuales. Anton La Vey, el papa negro, de quien se dice que asesoró a Roman Polansky en las ceremonias de
La semilla del Diablo
(1968) dedicó su libro "Rituales Satánicos" (1972), entre otros, a Anger y a Marlene Dietrich. La influencia de Anger ha sido amplia, desde el uso que hace de la música pop Martin Scorsese hasta la estética
trash
de John Waters.